El aborto visto desde dos extremos

El aborto visto desde dos extremos Liliana Flores Martínez

CIUDAD de MÉXICO.- A raíz de una experiencia personal, cuando su novia en turno decidió abortar, el prestigiado realizador británico Tony Kaye (American History X) nos presenta su documental Lake of Fire (Lago de Fuego), que forma parte de la Gira Ambulante que actualmente se proyecta en diversas ciudades del país. De visita en esta capital, el realizador indico que aunque en su momento no estaba de acuerdo en que su compañera interrumpiera el embarazo, ahora está consciente de que esa decisión es exclusiva de las mujeres, aunque le parece terrible el gran número de muertas por tomar esa opción ”Mi posición ante dicho fenómeno es intermedia, por lo que en este documental presento los dos extremos. El tema es muy complejo porque es muy impactante legalizar el interrumpir el desarrollo de un ser humano. Pero también considero terrible que en todo el mundo mueran muchos niños de hambre. Pero lo que sí veo bien el que hay clínicas especializadas al respecto“, comentó Kaye, quien aseguró; que de todos modos cuando alguien decide abortar, finalmente lo hace Tony dijo desconocer cuál sea la solución correcta a este problema social porque hay muchas opiniones encontradas, aunque al presentar escenas muy crudas en su trabajo fílmico, espera hacer conciencia entre las mujeres y parejas para que piensen bien antes de tomar una medida que pueda marcar sus vidas para siempre, como le sucedió a él. Este documental no ha sido discutido en los círculos médicos y religiosos, pero creo que en unos años más habrá otro tipo de reacciones al respecto, explicó Kaye. El realizador que no sataniza el aborto -pero tampoco lo justifica- sigue investigando al respecto, pese a que la realización de Lake of Fire le llevó 16 años, ya que lo fue realizando de forma alterna junto con otras películas como fue el caso de American History X, de la que -por cierto- piensa hacer un documental para narrar su experiencia al realizar dicho filme que protagonizó Edward Norton, quien fue nominado al Oscar por dicho trabajo en la categoría de Mejor Actor. Por otra parte, Kaye dio a conocer que se encuentra en etapa de edición de su reciente trabajo fílmico titulado Black Water Transit, un drama sobre una familia afroamericana, a tres meses de las desastrosas inundaciones de que fue objeto la ciudad de Nueva Orleans, contando con las actuaciones de Laurence Fishburne y Aisha Tyler. Con amplia experiencia en la publicidad y los videos musicales, el director que también es amante de tocar la guitarra, dijo que tiene planeado formar un grupo o una orquesta para desfogar su pasión por la música, aunado a que tiene en mente la filmación de otra película basada en una cantante country que fue descubierta por Johnny Cash, cuando ella se encontraba en prisión.

Las producciones estadounidenses son el problema número uno del cine

Barbet Schroeder Las producciones estadounidenses son el problema número uno del cine Liliana Flores Martínez

Los cineastas alrededor del mundo enfrentan un enemigo en común: la maquinaria del cine comercial hollywoodense que acapara el resto de las producciones. El director iraní de La virgen de los sicarios, Barbet Schroeder, no es la excepción.

“Las producciones estadounidenses son el problema número uno del cine en cualquier país”, se quejó el realizador nominado al Oscar en 1991 por El misterio de von Bulow (Reversal of Fortune) en una rueda de prensa en la ciudad de México, donde presentó su documental L’Avocat de la terreur (Abogado del terror).

Por ello, dijo Schroeder, es necesario que los gobiernos apoyen la industria del cine, que para él es su “elixir de vida y pasión”. En un español fluido, Schroeder señaló que “se necesita un público, buenas salas… y la ayuda del Estado”, al tiempo en que lamentó que la falta de apoyo y subsidios económicos hayan dado al traste con el cine en países como Japón.

Schroeder, cuyos créditos incluyen Murder by numbers y Mujer soltera blanca busca (Single White Female), dijo que lo que más le enorgullece de su carrera es haber tenido la oportunidad de rodar películas distintas entre sí y bastante inusuales.

El cineasta iraní Barbet Schroeder, quien promocionó en México su nuevo documental El abogado del terror, afirmó que tiene ética y honestidad en sus producciones pero nunca la obligación de ser objetivo.

”En cada película me comprometo a poner mi visión subjetiva y muy personal de todo cuanto presento en pantalla, de hechos y personas, situaciones y acontecimientos que generan la trama de lo que documento para el público”, indicó en entrevista.

Con motivo de la presentación en México de su filme, en el marco de Ambulante Gira de Documentales 2008, Schroeder sentenció: “Yo no tengo la obligación de ser objetivo, porque, además, toda película es ficción y por lo mismo, siempre tendrá el sentir muy personal de quien la realiza”.

Añadió que “tengo ética y honestidad, y así las dejo ver en cada una de mis realizaciones. Pero no me gusta hablar de mis planes y proyectos a futuro porque eso acarrea mala suerte”.

El iraní muestra en El abogado del terror la vida del abogado Jacques Vergès, quien se ha caracterizado por defender ante los tribunales a terroristas, dictadores y otros personajes de cuestionable catadura moral.

Al respecto, dijo que se trata de un análisis concienzudo y profundo sobre la enigmática personalidad de Vergès, quizá comunista, anti-colonialista y partidario de la extrema derecha. En su trabajo documental expone la interrogante sobre qué convicciones guían la moral de Vergès, “y con el objetivo de descifrar qué se esconde tras este, hombre, llevó al espectador por las sendas más oscuras de la historia”.

Explicó que Vergès, un joven abogado durante la guerra de Algeria, propugnó por la causa anticolonialista y defendió a Djamila Bouhired, símbolo de libertad en su país, sentenciada a muerte.

Esa condena le fue impuesta por plantar bombas en distintos cafés de la ciudad. Vergès, logró liberarla, se casó con ella y tuvieron dos hijos. En la cúspide de su carrera, Jacques Vergès, desapareció durante ocho años, explicó Barbet Schroeder.

La investigación que el cineasta realizó durante varios lustros, lo llevó a descubrir que Vergès, resurgió para defender a enormes terroristas de todo tipo, “desde Magdalena Koppe y Annis Naccache, hasta Carlos el Chacal“.

El cineasta manifestó su afición por hacer cine documental sobre personas “que de una manera o de otra han cambiado el rumbo de la historia, local o mundial”.  Sin embargo, agregó, no se trata de hacer biografías ni lecciones de historia antigua o contemporánea.

“Además de la investigación seria y profesional, cada una de mis películas lleva algo de ficción, porque así es el cine”.  Jacques Vergès, representó también a históricos monstruos como el teniente Klaus Barbie, por lo que quiso seguir “el sinuoso rastro de este abogado del terror”, manifestó.

Relató que el abogado vio la versión final y que al principio no le gustó, pero después dijo que se trataba de “algo importante” porque se trataba de él, lo que refleja su personalidad ególatra“.

Actualmente, Schroeder está en la etapa de postproducción de una película que filmó en Japón y que llevará por título Inju. “Es una película importante” en la que se invirtieron 12 millones de dólares y que trata sobre la rivalidad de dos escritores famosos, uno de los cuales “es amoral y muy malo”, adelantó sobre la historia, escrita por Jean-Armand Bougrelle y Rampo Edogawa.

Indicó que para este rodaje contó con un equipo de unas 100 personas y que espera que esté listo en septiembre, aunque es posible que pueda estrenarse en el Festival de Cine de Cannes.

El filme forma parte de Ambulante Gira de Documentales 2008 que se presentará en 50 sedes en 16 ciudades y tendrá invitados especiales, mesas redondas y conferencias.

El abogado del terror cuenta con fotografía de Caroline Champetier y Jean-Luc Perréard.

Abril y Luna destacan fortaleza de mujeres en nueva película

En el cine hay pocas historias de acción protagonizadas por mujeres. Las que existen están basadas en videojuegos o comics. Por eso la actriz española Victoria Abril está tan satisfecha de su nuevo papel en la película “Sólo quiero caminar” bajo la dirección de Agustín Díaz Yanes.

“Es un lujo encontrar una película de acción para mujer y no sólo mujer, sino mujeres” de distintas edades que se unen luchar por lo que creen justo, dijo Abril en rueda de prensa acompañada de los productores y por gran parte del elenco que incluye al mexicano Diego Luna.

“Tano (apodo del director) siempre, siempre, siempre ha escrito grandes papeles de mujeres, no de heroínas, sino de mujeres de carne y hueso que tiran pa’ lante”, resaltó con su frente en alto.

Describió como maravilloso que Díaz Yanes haya podido “contar una historia sobre la amistad entre mujeres”, cuando es más común destacar sus rivalidades.

A su juicio, lo más importante de su papel es mostrar “la fuerza que podemos sacar de nuestra debilidad”.

La trama del largometraje gira en torno a Gloria Duque, una prostituta a la que Abril ya encarnó bajo la dirección de Díaz Yanes en “Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto” (1995), que le valió un Goya y la Concha de Plata del Festival de Cine de San Sebastián.

Ya han pasado 15 años desde esa otra historia y ahora Duque se encarga, junto a unas amigas, de vengar a una de ellas a quien su marido, un temido narcotraficante, le ha dado una paliza brutal. Para cumplir su plan lo siguen desde Cádiz hasta Ciudad de México.

Yanes dijo que este país era ideal por la cantidad de escenarios que ofrece y por su atmósfera. Al mismo tiempo rechazó que con esto perpetúe la idea de que lo único que se puede explotar de México es la extrema violencia que padece.

Luna, quien agradeció el interés pero rechazó dar detalles sobre su inminente paternidad junto a la actriz Camila Sodi, destacó que era un honor trabajar con Yanes cuyo trabajo vio por primera vez precisamente en “Nadie se acordará…” y en ese momento sintió “envidia” y ganas de trabajar bajo su tutela, por lo que ahora siente que por fin “se me hizo”.

Con el cabello engominado, peinado hacia atrás y barba tipo candado, dijo que “era increíble hacer de un tipo serio y que usa pistolas”.

También destacó el rol de las mujeres por el tipo de cosas que hacen y las decisiones extremas que se ven forzadas a tomar. “Creo que vamos a acercarnos más a nuestras madres después de esto”, aseguró.

El filme es una coproducción entre México y España, pero según el productor José Manuel Lorenzo el equipo técnico y actoral se ha integrado tan bien, que “no tiene nacionalidad”.

Además participan Ariadna Gil, Elena Ayala, Pilar López y José María Yazpik. Las actrices españolas ya habían laborado junto al director y les pareció buena idea que las empiecen a llamar las “chicas Díaz Yanes”, igual que a Penélope Cruz se le llama chica “Almodóvar” por su relación con Pedro Almodóvar.

Sin embargo el cineasta se llevó las manos a los ojos y sin parar de reírse dijo que era “horrible”.

El título del filme se basa en una canción del famoso guitarrista español Paco de Lucía que Díaz Yanes, también realizador de “Alatriste” y “Bendito infierno”, eligió porque le gusta su música, así como “los títulos largos”.

El cineasta dijo que su referencia para el filme no tuvo nada que ver con la famosa “Ocean’s 11″, sino que más bien, se acerca más a los trabajos realizados por Martin Scorsece.

Se espera que el rodaje se traslade a Cádiz la próxima semana y que esté lista en otoño, dijo Yanes.

Francisco Vargas cuenta la partitura del violín

Entrevista con Francisco Vargas director de “El violín”

Liliana Flores Martínez

Reportera

CIUDAD de MÉXICO.- “El violín” cuyo estreno se espera para el 27 de abril y ser distribuida por Canana Films, tiende un vínculo humano entre las dos partes; las diferencias parecen desvanecerse transitoriamente (y sirven para que el film ponga algún matiz en el dibujo de los malos y los buenos), pero llegado el punto límite, el choque es inevitable. Francisco Vargas busca una dimensión moral y poética para subrayar las diferencias en ese duelo que da sustento dramático al film y por eso elige un remate más romántico que realista: opone la dignidad de uno a la prepotencia del otro.

El director, un conocido productor radial que debutó en el cine haciendo cortometrajes, comento para unomásuno “el blanco y negro me permitió, además, manejar la idea de los polos opuestos, que no todo es blanco y negro aunque lo parezca, que hay gamas de grises”.

Es una película llena de encuentros y de música, ¿qué le inspiró para escribir el guión de “El violín”?

Siempre había tenido ganas de escribir un guión sobre la realidad oculta de México, sobre los que Luis Buñuel llamó “Los Olvidados” en 1950. Para hacerse oír, esas voces olvidadas recurren incluso a las armas. Además de las numerosas guerrillas y conflictos de América Latina, me inspiró una novela de Carlos Prieto donde se narran las increíbles aventuras de un violonchelista. La fuerza de este músico, que va cada día al campamento enemigo para tocar el violonchelo que le confiscaron hasta conseguir que se lo devuelvan, me marcó y se me quedó grabada. Me recordó toda la literatura en que la música y la guerra entran en un peligroso juego dialéctico.

¿”El violín” hace referencia a una actualidad política?

Es una protesta por el México escondido, el de unas voces ahogadas que acaban por tomar las armas para hacerse oír. Es una película que plantea preguntas que se han quedado sin respuestas. Es increíble que la violación de los derechos humanos, la marginalidad, la miseria de millones de personas, la represión armada, la carencia de democracia o de justicia social sean los grandes temas ausentes de los discursos políticos.

Para definir a la guerrilla, insiste mucho en las voces ahogadas, las voces recuperadas a través de la música. ¿Ha realizado un trabajo específico en cuanto al sonido?

Queríamos obtener un máximo de ambientación natural. Enfoqué el diseño del sonido hacia un empobrecimiento progresivo para marcar un crescendo muy sensible desde el silencio hasta la música. Quise que el espectador sintiera el peso del silencio del bosque donde se esconde la guerrilla, de los gritos desgarradores de los pájaros, de la profundidad de la vida nocturna. El espectador escucha el espesor del silencio de los oprimidos. Escucha la pesada amenaza de las armas de los militares.

¿La música de la película tiene que ver con la música popular mexicana?

Desde pequeño he oído música popular mexicana. En mi primer largometraje quise que la música tradicional ocupara un lugar importante. El estribillo que suena a lo largo de la película y que Lucio canta al final pertenece a una canción clásica mexicana. A pesar de que las diversas músicas tradicionales mexicanas se pierden poco a poco por falta de reconocimiento a escala nacional y apoyo público, siguen teniendo una riqueza impresionante. La mayoría de los temas musicales de la película, el de la taberna, el del campamento de refugiados y el del final de la película, están compuestos por el ahijado de Don Ángel (Don Plutarco), Cuauhtémoc de Tavira.

¿Los diálogos hacen eco al trabajo realizado por la música?

Me gusta escribir diálogos y trabajarlos hasta conseguir que se acerquen lo más posible a la realidad cotidiana. He querido que fueran fieles a la tradición oral: la economía verbal, el acento rural y expresiones idiomáticas. En este sentido, Don Plutarco es el personaje más enigmático de todos. Habla utilizando letras de canciones, proverbios, palabrotas, fórmulas orales. La canción y el cuento que enseña a su nieto Lucio son ejemplos típicos de la tradición oral tal como se oye en México.

¿Quiso que el juego interpretativo de los actores reforzara ese realismo popular muy cercano al documental?

Siempre quise que se tuviera la sensación de estar en una realidad documental. Por eso me esforcé en crear ambientes totalmente realistas que van más allá de la “realidad” de la ficción tradicional. Para conseguirlo, decidí trabajar con actores no profesionales, gente de las comunidades rurales e indígenas, fui apoyado por algunos actores profesionales. La mayoría de los personajes y fueron escogidos en los lugares donde rodábamos. Don Ángel Tavira, que interpreta a Don Plutarco, el protagonista, no es un actor profesional. Sin embargo, es un auténtico descubrimiento: músico popular, virtuoso del violín, empresario, hombre sensible, actor nato.

¿La película hace referencia a un contexto histórico preciso?

Cuando escribí el guión, permití que hubiera un doble juego. Por un lado, la película se refiere a situaciones conflictivas y a guerrillas que llevan al espectador a pensar en las luchas populares mexicanas en el sentido de Zapata y de su reivindicación “Tierra, justicia y libertad”, y las de El Salvador, Guatemala, Nicaragua, Chile e incluso Colombia. Por otro lado, construí la historia de forma que no hubiera un contexto espacial o temporal concreto. Aunque la película se refiera a acontecimientos sociopolíticos, nos esforzamos en no particularizar y englobarlos a todos con el fin de simbolizar la lucha del pueblo latinoamericano en su conjunto.

¿Cómo consiguió obtener el tono narrativo de la interpretación de los actores?

Para conseguir el tono dramático hiperrealista, quise sobre todo que se mantuviera la simpleza de los diálogos, que fueran populares y ahorrativos. Algunos actores procedían del teatro y no fue difícil llevarlos al universo de la frase única y del silencio. Los demás eran voluntarios: su espontaneidad y entusiasmo creó un ambiente único durante el rodaje. Además, su profundo conocimiento de los lugares donde rodábamos prestaba a sus actitudes y diálogos un realismo crucial para la película. Concentré toda la tensión de la acción dramática en la oposición entre Don Plutarco y el capitán. Aunque la atmósfera de la película pueda recordar a una guerrilla u otra, el encuentro entre los dos hombres, su pasión común por la música durante el sin sentido de la guerra, permite descubrir la humanidad universal de la película. La de dos seres obligados a realizar una terrible elección: seguir sus ideales hasta el final, o comprender al otro y cambiar de bando. Cumplir con el deber o traicionar… La música o las armas.

Le quiero hacer justicia a cuando era chico y no me entendía con el mundo

 

Liliana Flores Martínez

Reportera

CIUDAD de MÉXICO.- La película mexicana “Drama/Mex”, que se estrenará el próximo viernes en la Ciudad de México, y a partir de abril en el resto del país, rompe con todos los esquemas del cine nacional, pues no contó con ningún apoyo oficial para su realización, mencionó en entrevista su director Gerardo Naranjo.
El cineasta, quien tiene todas las esperanzas puestas en su drama, dijo por otra parte que aunque su película ya ha participado en varios festivales de América y Europa, esa etapa ha quedado cerrada para dar paso a la distribución, “otro proceso muy pesado que una producción independiente debe llevar a cuestas”.
Al término de la conferencia de prensa en que se dieron a conocer detalles del filme, comentó: “No se puede definir el drama que vive un país como México a través de una película. El devenir de nuestro país nada más se puede abordar de una manera objetiva y clara por medio del cine, con toda su magia y claridad”.
Con 40 copias, cantidad nada despreciable para una producción independiente, dijo que el filme que realizó lo hizo “tomando el riesgo por parte de todo el equipo: director, actores, técnicos, en fin, todos quienes tomamos parte en el proyecto decidimos que hacer la película con nuestros propios recursos era más que un acto intrépido, de honestidad”.
Por eso, el resultado es una película artesanal, familiar, en la que todos convivieron de manera sana y tranquila con todos. “Fue como estar con los hermanos, los tíos, los primos. Con toda la familia que se dedica a lo mismo que uno, pero con diferentes especialidades”, mencionó el director al hacer un recuento de la obra.
Comenta Gerardo Naranjo que en México el grueso de los productores y directores hacen cine con un afán perfeccionista, y al no lograrlo crean cosas insípidas, sin color, sin dolor ni sabor, que poco gustan al público a la hora de ser exhibidas. “Por eso busco hacer cosas de calidad, para acabar con tanto churro”.
En ese sentido, desafió a las reglas establecidas por la cinematografía nacional e internacional, desde el equipo técnico que empleó, hasta optar por no tocar puertas de financiamiento oficiales.

Al cuestionarlo sobre el costo del filme Naranjo explica “la película no se cuanto costó y nunca lo sabremos, por el hecho de que no sabremos el sacrificio de gente que no cobró e hizo la película, lo que podemos contar es el dinero constante y sonante que invirtió la gente al final”.

Lo que estoy tratando es darle valor día a día de la gente que desinteresadamente que dio todo su sacrifico por la película, es la gran incógnita cuanto costó la película, pero definitivamente no costo mucho, básicamente se levanto gracias a donaciones de gente que nos ayudó, regaló a la producción cámaras, negativos, revelados, procesos, al final no es una película de números sino de cuánta gente ayudo.

El siguiente proyecto a seguir mismo que ya está en la búsqueda de actores donde narra la historia de un chico y una chica que vienen de Guanajuato y se rebelan ante los adultos, es una película violenta y es una película bastante arriesgada.

“Le quiero hacer justicia a cuando era chico y no me entendía con el mundo y era como un rebelde, me metía en muchos problemas y si siento que en este momento es como hacer un homenaje para poder hacer otro tipo de cine” asegura Naranjo.

El nuevo “boom” va a llegar cuando se hagan películas como la suya, dijo, y a partir de ahí se dejarán de hacer churros cinematográficos.
Recordó que “Drama/Mex” cuenta con las actuaciones de Fernando Becerril, Mariano Moro, Juan Pablo Castañeda, Monserrat Lasta, Mariana Pérez, Héctor Dávila, Luis y José Calvillo, y Enrique Calderón.

 

Mexicano rumbo a Cannes

Mexicano rumbo a Cannes

Liliana Flores Martínez

Reportera

CIUDAD de MÉXICO.- Andrés García, cineasta egresado del CUEC, realizó su tesis fílmica “La invención” inspirado en la novela homónima de Adolfo Bioy Casares y para rendir homenaje al cine mudo de los años 20 y 30 la llevó a cabo con técnicas cinematográficas antiguas. Este trabajo escolar ganó por su cinefotografía, el Latin American Regional Kodak Filmschool Competition, lo que le asegura su exhibición en una sección paralela (Short Film Corner) del Festival Internacional de Cannes 2007 que se llevará a cabo del 16 al 21 de mayo.

Cabe señalar que con esta tesis fílmica Andrés García ganó también, en 2006, su asistencia al 5º. Festival Internacional de Cine y Video Estudiantil de Beijing y una estancia de siete días en la Beijing Film Academy.

Ahora presentará “La invención” en el Festival Internacional de Cine de Cannes en la sección Short Film Corner que está dedicada a la promoción de filmes cortos, para responder a la demanda de los realizadores y productores. Esta sección de Cannes, además de funcionar como escaparate para las producciones de jóvenes realizadores, es un espacio de transición de un corto a un largometraje.

En el Kodak Filmschool Competition La invención compitió contra trabajos escolares de países como Brasil, Argentina, Chile y Venezuela. La selección del filme ganador en esta ocasión recayó en el fotógrafo Peter James quien consideró el trabajo de Andrés García como un filme muy convincente, con una cinefotografía que usa muchas de las técnicas clásicas del cine como: cámara en mano, superimposiciones, doble exposición, cuadros fijos de animación, “trucos de cine antiguos muy bien utilizados; es como rodar tres filmes, tan complicado como hoy en día Superman o Harry Potter”, apunta.

El Kodak Filmschool Competition es un concurso que organiza Kodak para los trabajos escolares cinematográficos de diferentes regiones como Europa, Estados Unidos, Asia y Latinoamérica. Los ganadores de cada región son presentados por Kodak en Cannes y sus realizadores participan en diferentes actividades y en un programa que se llama Emergin Film Maker (Estudiantes emergentes) un poco para promoverlos en la industria en un encuentro con varios productores.

El premio incluye a parte de una estancia de siete días al Festival Internacional de Cine de Cannes, una cámara digital profesional de 35 milímetros y una impresora digital fotográfica.

En los cinco años que Kodak ha convocado este certamen, tres mexicanos han resultado premiados en la región latinoamericana y de ellos dos son alumnos de CUEC: César Gutiérrez con el filme Quimera (2005) y Andrés García por “La invención” (2006).

Andrés García consideró que su filme fue elegido porque es muy distinto a la norma de lo que se está haciendo en el cine moderno, pues se trata de un trabajo elaborado manualmente. “Es un trabajo de investigación histórica de los procesos antiguos para efectos especiales y efectos ópticos que resultó algo muy experimental, muy estético en la forma”, comentó.

El joven cineasta explicó que la convocatoria del concurso señala el criterio de selección de los trabajos donde predomina el que la fotografía apoye al guión, que tenga ciertos aspectos visuales, que tengan que ver mucho con la historia y que se cuente mejor a través de esas imágenes.

El joven realizador manifestó su satisfacción porque la exhibición en Cannes de “La Invención” se cumple todo lo que un corto puede llegar a aspirar en el momento en el que se gesta.

Este trabajo se exhibió en el Festival Expresión en Corto de Guanajuato y en el Festival de Morelia y se presentó en el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México.

Gira Ambulante 2007

Liliana Flores Martínez

Reportera

CIUDAD de MÉXICO.- La productora Canana -de Gael García Bernal, Diego Luna y Pablo Cruz- anunció su selección 2007 de la gira “Ambulante”, conformada por la sección oficial, en la que se incluye a los ganadores del FICM, Dictator’s Cut (para mostrar aquellos trabajos que han sufrido censura oficial en distintos lugares del mundo) e Injerto (dedicada a documentales experimentales realizados por artistas y cineastas que buscan permanecer fuera de cualquier clasificación).

La gira iniciará el dos de febrero y concluirá el 29 de marzo de 2007. “Ambulante” busca promover un género que a últimas fechas comienza a tener más público e incluso “varios de los documentales mexicanos de la gira 2006 se exhibieron en el marco de la muestra Mexican Cinema Now, en el Nacional Film Theater de Londres y viajarán por el Reino Unido con el Festival Viva, de Manchester y el National Film Theater de Londres ” comentó Elena Fortes directora de Ambulante

La gira 2007 repetirá en 15 ciudades de todo el país (D.F., Monterrey, Metepec, Puebla, Morelia, Chihuahua, Cancún, Ciudad Juárez, Guadalajara, San Luis Potosí, León, Tijuana, Tuxtla Gutiérrez, Mérida y Oaxaca) a través de las salas Cinépolis.

Además, se realizará un Taller de postproducción en cine documental en colaboración con el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE). Dicho taller tendrá lugar en tres sedes: Morelia (Palacio Clavijero), Guadalajara (ITESM) y Ciudad de México (Antiguo Colegio de San Ildefonso) y será impartido por el Tlacateotl Mata, especialista en producción y postproducción.
Uno de los objetivos más importantes de “Ambulante” es el de democratizar el acceso al documental para crear nuevos públicos. Por ello, se han programado funciones a mitad de precio en taquilla y funciones gratuitas en sedes alternas, incluyendo museos, universidades, galerías, entre otras.
Asimismo, pretende promover la distribución de documentales en México y descartar la noción de que el documental es una compra arriesgada. La gira programa películas que de otra manera no obtendrían una distribución significativa y ha demostrado que existe un público interesado y un creciente interés en la producción de documental. Finalmente, Ambulante busca consolidar un mercado de documental, mediante el cual el autor sea retribuido por su obra.

La participación de Venezuela en Morelia

La participación de Venezuela en Morelia

Liliana Flores Martínez

Reportera

MORELIA.- “Elipsis” es una provocación, un juego con el espectador para que piense que está ocurriendo una cosa, cuando en realidad están pasando otras. Así describió el venezolano Eduardo Arias su primer largometraje, que estrena el domingo en el Festival de Cine de Morelia.

“El cine es un medio excelente para establecer la percepción y jugar con el público en esta película hay muchas cosas que se dejan abiertas para que el espectador concluya el juego, es una relación bilateral”, declaró Arias el domingo en una rueda de prensa.

La idea de tratar el tema de las percepciones le empezó a obsesionar al cineasta venezolano luego de los actos terroristas del once de septiembre en Nueva York, donde reside actualmente.

Dijo que por su aspecto, que recuerda un poco a los árabes, la gente lo empezó a “mirar raro” en el autobús y dondequiera que se paraba. “Eso a mí me marcó enormemente a partir de ahí”, señaló.

Relató que en su película, uno de los personajes principales es un traficante de drogas, pero no como podría ser el estereotipo. De hecho, a pesar de que se toca el tema de la drogadicción, nunca se ven a los actores en el acto de consumir, afirmó.

Además, el filme tiene una carga muy erótica, pero tampoco hay escenas explícitas de sexo, porque a su juicio no hacen falta para dar a entender qué fue lo que pasó y “porque es parte de ese juego”.

Otro elemento que resaltó el director fue el uso de los silencios, en los que paradójicamente hay mucho ruido y crean una atmósfera necesaria para relatar la historia de dos amigos cuyos éxitos y fracasos se suceden y ponen a prueba su vínculo.

Arias dijo que comenzó a gestar la película en su mente hace once años, pero a medida que pasaba el tiempo, estudió derecho, trabajó como asesor legal para los canales MTV y Nikelodeon en América Latina, estableció una empresa con su hermano. Mientras, continuaba cuajando el “rompecabezas” hasta que a principios de este año decidió por fin llevarla a cabo.

Entre los actores que participan en la cinta figuran Gaby Espino, actualmente protagonista de la telenovela “Mundo de fieras”, Angélica Aragón y Edgar Ramírez. A decir Eduardo Arias, los temas que se abordan son bastantes universales, por lo que entiende funcionará bien en los países latinoamericanos donde se propone llevarla.

Esta es la tercera producción de Arias. Previamente había hecho los cortometrajes “Lazarus” y “White and Black”.

Del Toro Conquista Morelia

Liliana Flores Martínez

Reportera

Morelia.- En una biblioteca del siglo XVI (1592) digna de cualquier bibliófilo hizo su aparición ante la prensa mexicana el director Guillermo del toro y de la actriz principal de su filme Ivana Baquero, Entre en un ambiente de confianza y cordialidad, ante los medios y su cruda reflexión ante las políticas cinematográficas del país hizo la presentación de su más reciente filme “El laberinto del Fauno”.

Entre cuestionamiento que fueron de sus influencias en el cine, hasta las añoranzas que tiene hacia su país, comentó que han sido muchas sus ganas de regresar a filmar una película mexicana, en la cual sería una de sus temáticas una historia de vampiros, ubicándola en la época actual e inspirándose en tantos personajes de políticos mexicanos.

Dentro las influencias que tuvo el como especialista en cine fantástico se encuentras uno de los homenajeados del IV Festival Internacional de Cine de Morelia Fernando Méndez y lo que el considera su mejor obra “El suavecito”, así como a Carlos Enrique Taboada “El libro de Piedra” y Juan Carlos Moctezuma, estos tres directores son los que él considera su mayor influencia fílmica fantástica.

El considera que es más que nada “una experiencia espiritual que más que un montón de películas de acción”. La violencia crea un contacto con la realidad y es de cierta forma la realidad es peor que la misma fantasía. Ya que como dijo Hitchock “Para ser universal, hay que ser particular” y Guillermo considera que este filme se distingui de ser muy particular ya que es un lugar y una época que fue muy específicos y que influenció a nivel mundial la guerra civil española, ya que muchos de sus inmigrantes repercutieron en el caso de México a nivel intelectual.

El hizo la mención de la anécdota que fue considerado ser la primera opción para filmar “Las Crónicas de Narnia”, pero el comenta que la rechazo por no tener ningún compromiso religioso ya que considera hacer sus películas en base a reflexiones personales con el cine.

El ahorita esta en total promoción de su filme y considera que ha sido un honor el ser nominado para representar a México en la pelea de los Oscars, ya que el no pide trato preferencial y le agrada tener todas las oportunidades para llegar a la final.

Sam Pollard, compilador de Spike Lee

Liliana Flores Martínez

Reportera

CIUDAD de MÉXICO.- Sam Pollard, editor del documental “Cuando los diques se rompieron: un réquiem en cuatro actos” que aborda la historia de las víctimas del huracán “Katrina”, ofreció la víspera una charla sobre su experiencia al lado del cineasta Spike Lee.

Dicho encuentro se llevó a cabo en el marco de la cuarta edición del Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México (FICCO), espacio que se abrió para ver y recordar la destrucción de Nueva Orleans en 2005.

“Mi trabajo consistió en condensar todo el material recabado, eran 500 horas de grabación con cámara en mano, 300 horas de imágenes de archivo y todos los involucrados con el corazón en la mano”, indicó.

Para dar una idea a aquellos que no habían visto el filme de cuatro horas de duración, Pollard preparó una selección del documental de cuatro partes, mismas que mostró al tiempo de explicar el proceso.

“Lo más terrible de este suceso en el que la población murió y los sobrevivientes quedaron a la deriva fue que el gobierno estadounidense no respondió con la asistencia social, hecho que se vio en todo el mundo”, afirmó.

Relató que Spike Lee se encontraba en Italia cuando sucedió la catástrofe, pero de inmediato contactó a los ejecutivos del canal de televisión HBO para proponerles el proyecto y estos lo aceptaron.

“Me dediqué a formar el equipo de edición y a grabar escenas con la gente que se refugió en el Superdome para sobrevivir; al principio iban a ser dos horas de documental, pero luego nos dimos cuenta de que era demasiado lo que se veía ahí”, ahondó. Pero ante la magnitud del suceso, indicó que ambos se percataron de que tenían que dar cabida a todo lo que sus ojos presenciaban para compartirlo, por lo que solicitaron ayuda de más gente.

“Esto empezó en octubre de 2005 y queríamos terminar para febrero de 2006; HBO quería presentarlo para el aniversario de la catástrofe, el 17 de agosto de 2006”, acotó. Así, le enseñó la línea de trabajo a los dos editores que se integraron al equipo, por lo que con un buen ritmo laboral terminaron la obra en 6 meses, pero al entregar el material al director, éste solicitó más imágenes de la muerte.

“En mi versión no había tantos cuerpos en descomposición, pero Lee, lejos del sensacionalismo, pidió que se visualizara algo que a las personas les hiciera no olvidar la dimensión de la catástrofe, el resultado fue algo más allá del periodismo”, subrayó.

“Cuando los diques se rompieron: un réquiem en cuatro actos” retrata la devastación de Nueva Orleáns causada por fallas en dichos sistemas de flujo ante el embate del huracán “Katrina” en las costas centro y norte del Golfo de México, en agosto de 2005.

La estructura de cuatro episodios de una hora cada uno lleva de la mano al espectador por las calles de dicha ciudad, con testimonios de víctimas e imágenes que por sí solas muestran la falta de solidaridad estatal.

Asimismo, muestra la indignidad de activistas, artistas y el canto nostálgico y a cappella del jazzista Winston Marsalis, quien aprendió del entrañable blues de la localidad.

“La música fue fundamental en la edición, había que dar un ritmo al sentimiento y la fuerza sin duda estuvo en la presencia de la cultura sonora del área, algo que le dio temple y dignidad a un zona que por ser negra ha sido castigada”, aseveró.

Y es que incluso los diálogos y las expresiones de la gente tienen un ritmo que hace que el espectador, con todo y la barrera del idioma, experimente el sufrimiento. Sam Pollard exhibe en el montaje el descobijo de miles de ciudadanos por parte de su gobierno, algo similar a lo acontecido 80 años antes.

En aquella ocasión, los pobladores presenciaron impotentes el desborde del río Mississippi y para contrarrestarlo se decidió destruir el dique de Caernarvon, lo que trajo como consecuencia el cataclismo de dos barrios negros. Corría el verano de 1926 y la gente supo que la detonación calculada de aquel sistema tuvo por objetivo permitir que el lado “blanco” del conglomerado salvara sus pertenencias a costa de un sufrimiento ajeno.